Историја на кубизмот

Историја на кубизмот

Кубизмот е уметничко движење, создадено од Пабло Пикасо и orорж Брак, кое користи геометриски форми во прикази на човечки и други форми. Со текот на времето, геометриските допири станаа толку интензивни што понекогаш ги престигнуваа претставените форми, создавајќи повеќе чисто ниво на визуелна апстракција. Иако најмоќната ера на движењето беше во почетокот на 20 век, идеите и техниките на кубизмот влијаеа на многу креативни дисциплини и продолжуваат да информираат за експерименталната работа.

ПРВАТА ЕРА НА КУБИЗАМ

Пабло Пикасо и orорж Брак првпат се запознале во 1905 година, но дури во 1907 година Пикасо му покажал на Брак она што се смета за прва кубистичка слика, Les Demoiselles d’AvignonНа Овој портрет на пет проститутки носи големо влијание од африканската племенска уметност, на која Пикасо неодамна беше изложен во Палатата на Трокадеро, етнографски музеј во Париз.

Прекршувајќи го речиси секое правило на традиционалното западно сликарство, делото беше толку голем скок од неговите претходни сини и розови периоди, кои беа многу повеќе репрезентативни и емотивни. Пикасо се двоумеше да го прикаже делото на јавноста, и тоа остана невидено до 1916 година.

Брак, кој сликаше во фовистичкото движење, беше одбиен и заинтригиран од сликата. Пикасо работеше со него приватно на импликациите на делото, развивајќи ја заедно кубистичката форма. Брак е единствениот уметник што некогаш соработувал со Пикасо, и во период од две години, тие ја поминувале секоја вечер заедно, при што ниту еден уметник не изговарал завршено дело додека не се договорил другиот.

Одговорот на Брак на првото дело на Пикасо беше неговата слика од 1908 година Голем Акт, забележан за вградување на техниките на Пол Сезан како отрезнувачко влијание. Така започна првата ера на кубизмот, позната како аналитички кубизам, која беше дефинирана со прикази на субјект од повеќе гледишта одеднаш, создавајќи скршен, мулти-димензионален ефект изразен преку ограничена палета на бои.

Терминот кубизам за првпат го користеше францускиот критичар Луис Воксел во 1908 година за да ги опише пејзажните слики на Браке. Сликарот Анри Матис претходно ги опишал во Вокссел како да изгледаат составени од коцки. Терминот не беше широко користен с until додека печатот не го усвои за да го опише стилот во 1911 година.

Во 1909 година, Пикасо и Брак го пренасочија својот фокус од луѓе на предмети за да го одржат свеж кубизмот, како и кај Браке Виолина и палета.

ДРУГИТЕ СЕ ПРИДРУВААТ НА КУБИСТИЧКОТО ДВИVЕЕ

Пошироката изложеност ги доведе другите во движење. Полскиот уметник Луис Маркосис ја откри работата на Браке во 1910 година, а неговите кубистички слики се сметаат дека имаат повеќе човечки квалитет и полесен допир отколку делата на другите.

Шпанскиот уметник Хуан Грис остана на работ на движењето до 1911 година. Тој се истакна со тоа што одби да ја направи апстракцијата на објектот посуштинска од самиот објект. Грис почина во 1927 година, а кубизмот претставува значаен дел од неговата животна работа.

Францускиот сликар Фернанд Легер првично беше под влијание на Пол Сезан и по средбата со кубистички практичари ја прифатија формата во 1911 година, фокусирајќи се на архитектонски теми.

Марсел Дишан флертуваше со кубизмот почнувајќи од 1910 година, но честопати се сметаше дека е во спротивност со тоа. Неговата позната слика во 1912 година, Акт слегува по скали (бр. 2), го одразува влијанието, но прикажува фигура во движење. Обично во кубистичките дела, гледачот е повеќе поставен во движење, бидејќи перспективата претставена на платно е повеќе рамнини, како уметникот да се движи околу субјектот и да ги снима сите погледи во една слика.

ВТОРА ЕРА НА КУБИЗАМ

До 1912 година, Пикасо и Брак почнаа да вклучуваат зборови во сликите, кои еволуираа во елементите на колажот што доминираат во втората ера на кубизмот, познат како синтетички кубизам. Оваа фаза беше исто така обележана со израмнување на предметите и осветлување на боите.

Брак дополнително експериментираше со колаж, што доведе до негово создавање на техника папиер коли, видена во 1912 година Овошно јадење и стакло, изработка на позадина поставена во рамките на гуаче. Воведувањето на колаж дополнително ја прошири палетата на бои на формата.

Скулпторите, исто така, ги истражуваа кубистичките форми. Рускиот уметник Александар Арчипенко за прв пат јавно се појави во 1910 година заедно со други кубисти, додека бегалецот од Литванија, quesак Липчиц, влезе на сцената во 1914 година.

ОРФИЧКИ КУБИЗАМ

Движење што е назначено за Орфичен кубизам, фокусирано на колективот на групата Путео. Формирана во 1913 година од францускиот сликар quesак Вилон и неговиот брат, скулпторот Рејмонд Дишан-Вилон (двајцата браќа на Марсел Дишан), оваа гранка прифати уште посветли нијанси и ја зголеми апстракцијата.

Роберт Делонеј се смета за примарна претстава на ова крило, споделувајќи слични архитектонски интереси како Легер, што го применуваше повеќе пати за кубистички прикази на Ајфеловата кула и други значајни париски структури.

Другите членови Роџер де ла Фресна и Андре Лоте го гледаа кубизмот не како субверзија од нормата, туку како начин за враќање на редот и стабилноста во нивната работа и најдоа инспирација во orорж Сеурат. Најпознатата слика на Де ла Фресна, 1913 година Освојување на воздухот, е кубистички автопортрет на тој и неговиот брат во балон со топол воздух.

КУБИЗАМ: СВЕТСКА ВОЈНА И ПРЕД

Првата светска војна ефективно го запре кубизмот како организирано движење, при што голем број уметници, меѓу кои и Брак, Лоте, де ла Фресна и Легер, беа повикани на должност. Де ла Фресна бил отпуштен во 1917 година поради туберкулоза. Тој никогаш не се опорави целосно, обидувајќи се да продолжи со изработка на уметност, но умре во 1925 година.

До 1917 година, Пикасо ја врати својата практика да внесе повеќе реализам во неговите слики, иако неговото одбивање да биде прицврстено значеше дека кубизмот повторно се појави во некои дела со текот на годините, како што се Тројцата музичари (1921) и Плачливата жена (1937), одговор на Граѓанската војна во Шпанија.

Брак го продолжи своето експериментирање. Неговото понатамошно дело содржи елементи на кубизмот, иако забележани за помала ригидност во апстракциите на субјектите и користење бои што не ја одразуваат реалноста на мртвата природа.

КУБИСТИЧКО ВЛИЈАНИЕ

Иако кубизмот никогаш не го врати своето место како организирана сила во светот на уметноста, неговото огромно влијание продолжи во уметничките движења како футуризмот, конструктивизмот, апстрактниот експресионизам и други.

Кубизмот влијаеше и врз други форми; во литературата, Jamesејмс oyојс, Вирџинија Вулф, Гертруда Штајн и Вилијам Фокнер; во музиката, Игор Стравински; во фотографија Пол Странд, Александар Родченко и Ласло Мохоли-Наѓ; во филмот Ханс Рихтер и Фриц Ланг; како и графички дизајн и сценски дизајн.

Извори:

Кубизам. Метрополитен музеј на уметност.
Тудор Историја на сликарството во 1000 репродукции на бои. Роберт Мејлард, уредник.
Приказната за сликарството. Сестра Венди Бекет и Патриша Рајт.
Уметност во времето: Светска историја на стилови и движења. Фајдон.
Кубизам: нова визија. Нинон Родригез, колеџ во Мајами Дејд.


Како се промени кубизмот во текот на 20 век?

Историјата на уметноста се промени многу на почетокот на 20 век. Првата светска војна влијаеше на оваа транзиција и го промени процесот, бидејќи многу уметници се обидуваа да ги изразат своите чувства на поинаков начин за време на војната. Раниот кубизам може да се најде во делата на Пол Сезан и неговиот поедноставен поглед на природата во неговата уметност. Сезан влијаеше и на двајцата Пикасо и Бракин со својата уметност и отворен пат за еволуција на кубизмот.

Пикасо’S Les Demoiselles d’Avignon уметничкото дело отвори нова страница во кубизмот и тоа стана камен -темелник за првата револуција во уметноста од 20 век. Сликата направена помеѓу 1906-07 година се вели дека се првите знаци на „кубистичката мисла“. Пикасо беше дефинитивно импресиониран и под влијание на Пол Сезан’S Hersенски капачи во од шатор, со смиреноста на предметот и перспективата што се користи во уметничкото дело. Потоа го користеше овој пристап во Les Demoiselles d’Avignon бидејќи создаде поинаква перспектива користејќи тродимензионални женски актови и дводимензионален простор, вклучувајќи украси во собата.

Пол Сезан, женски капачи пред шатор, 1883-85, Стаатсгалери Штутгарт

Во прилог на ова, кога Гијом Аполинер (1880-1918) воведен Пикасо до Orорж Брак кои веќе се поразени од Les Demoiselles d’Avignon, во 1907 година, кубизмот ги заврши своите фаворити. Влијаеше раното пријателство Бракин да се произведе сликата Голем Акт во 1908 година. Додека фаворитите го преземаа водството во историјата на кубизмот во 1910 година, уметниците на кубистите беа поделени во две групи именувани како габисти на Галерија (Брак и Пикасо) спротивни на кубистите од Салон (Роберт Делоне, Анри Ле Фоконие, Алберт Глеизес и Jeanан Мецингер). Оваа разделба беше предизвикана кога Пикасо одби да изложува во салони за неговите уметнички дела и Бракин потоа ја следеше неговата одлука.

Orорж Брак, големо голо, 1907-08 година, Париз, национален музеј и модерен режим

Раната ера на кубизмот (1906/1907-09) дискредитирана и од овие двајца сликари што го смени примарниот предмет во уметничките дела бидејќи веќе не ја имитира природата, туку тие создадоа своја реалност. Го продолжи аналитичкиот кубизам формиран од Пикасо и БракинНа Нивните мотиви не само што се прикажани од различни перспективи истовремено, туку и се фрагментирани во помали форми, што ги оставаат да станат поставени делови од физичка целина.

Пабло Пикасо, Девојка со мандолина, 1910 година, Newујорк, Музеј на модерна уметност

Меѓутоа, со почетокот на Првата светска војна, ситуацијата на уметниците се промени многу. Многу уметници во таа ера беа с young уште млади и главно беа регрутирани за воена служба. Комуникацијата меѓу нив беше нарушена и кубизмот како независен уметнички стил беше изгубен во конфузијата на Првата светска војна.


Салонски кубизам: концепти, стилови и трендови

Кристален кубизам

За време на Првата светска војна, стилот на Jeanан Мецингер еволуираше во она што се нарекува кристален кубизам, кој цветаше по војната. Гледано како дел од „враќањето во ред“ на ерата, терминот „Кристален кубизам“ потекнува од францускиот уметнички критичар Морис Рејнал. На Мецингер Војник на шаховска игра (1914-15), со своите рамни поедноставени повеќе бои, го нагласува она што историчарот на уметноста Кристофер Грин го нарече „уредени квалитети“ и „автономна чистота“ на геометриската и апстрактната структура на Кристалниот кубизам. Акцентот во Кристалниот кубизам беше ставен на сликата како објект сам по себе, како што опиша Грин понатаму, „едноумие инсистирање на изолација на уметничкиот објект во посебна категорија со сопствени закони и сопствено искуство што треба да се понуди, категорија која се смета за над живот “.

Метингер заедно со Хуан Грис, кој беше тесно поврзан и со кубизмот на Пикасо и Брак и салонските кубисти, го популаризираа овој нов стил. Работи како онаа на Грис Портрет на etteозет Грис (1916) користеше поедноставена, монохроматска палета со геометриски рамнини што се преклопуваат. Легер и Глејзес и други салонски кубисти, вклучувајќи ги и скулпторите Лоренс и Липчиц, исто така гравитираа кон кристален кубизам. Грин тврди дека кристалниот кубизам бил највлијателниот облик што го земал кубизмот, пишувајќи: „Во смисла на модернистичка волја за естетска изолација и широка тема за раздвојување на културата и општеството, всушност е кубизмот по 1914 година што се појавува како најважен за историјата на модернизмот “.

Орфизам

Иако орфизмот започна околу 1911 година, кога работата и теоријата на Роберт и Соња Деланеј се споија со делото на Франтишек Купта, официјално беше лансирана во 1912 година. Симултан Windows серија (1912-1913) и Купка Аморфа: Фуга во две бои (1910-1911) беше пример за пристапот, како што напиша Делане, „ќе зависи само од бојата и нејзиниот контраст, но ќе се развива со текот на времето истовремено перцепиран во еден момент“. Поетот и уметнички критичар, Аполинер за прв пат го употреби терминот Орфизам на Златниот дел во 1912 година, и како резултат на тоа, Орфизмот се сметаше за под-движење, кое се развиваше од кубизмот. Сепак, Деланеј потоа требаше да се раскине со групата Путео и, чувствувајќи дека е негов Симултан Windows беа голем уметнички пробив, опишан како „еретик на кубизмот“. Delaunays станаа главните практичари на орфизам и, додека нивната работа ги нагласуваше геометриските обрасци, честопати во искршени рамнини, бојата, а не формата, беа темелите на с abst поапстрактните композиции.

Орфизмот влијаеше врз подоцнежните уметници како Пол Кли во неговите апстрактни форми на бои и развојот на апстракцијата, во неговите геометриски и лирски стилови. Опер уметноста на Бриџит Рајли, Ричард Анускевич и Вен-Јинг Цаи беа под влијание на акцентот на Орфизмот врз бојата за да создаде длабочина и движење. Дизајнерските дела на Соња Деланеј, засновани на принципите на орфизмот, имаа големо влијание врз целата мода и внатрешен дизајн, бидејќи нејзиниот орфички идиом стана дел од јавната свест.


Кубизам Уметност: Техника & Историја

Пред дваесеттиот век, уметноста беше препознаена како имитација на природата. Сликите и портретите се направени да изгледаат што е можно пореално и тродимензионално, како да се гледаат низ прозорец. Уметниците сликаа во луксузен стил на фовизам.

Францускиот постмпресионист Пол Сезан срамни со земја мртви животи, а африканските скулптури се здобија со популарност во Западна Европа кога уметниците тргнаа во потрага по нов начин да ги покажат своите идеи и да ги изразат своите ставови.

Во 1907 година, Пабло Пикасо ја создаде сликата Les Damsoilles d’Avignon, прикажувајќи пет жени чии тела се изградени од геометриски форми и глави на африкански маски, а не лица.

Оваа нова слика стана позната како „кубизам“. Името потекнува од критичарот Луис Воксел, кој по прегледот на францускиот уметник и колегистички кубистички изложби Geорж Брак напиша за „Кубици за пиво“ и дека предметите „се сведени на коцки (Арнхајм, 1984).

Кубизмот го смени начинот на прикажување и гледање на уметноста. Пикасо, заедно со Брак, претстави нов стил на сликање што ја прикажува темата од неколку различни агли истовремено.

Резултатот имаше за цел да го прикаже објектот во поцелосен и пореален поглед од традиционалната уметност, да пренесе чувство дека може да се движи низ сликата.

„Кубизмот ги напушти традиционалните поими за перцепција, претскажување и моделирање и имаше за цел да претставува солидарност и волумен во тродимензионална рамнина без да го претвори дводимензионалното платно илузионалистички во тродимензионален простор за слика“ (Чиверс, 1998).

Пикасо и Брак беа пионери во движењето и работеа толку тесно заедно што имаа потешкотии да ја разликуваат сопствената работа. Тие се нарекуваа едни со други како Орвил и Вилбур, знаејќи дека нивниот придонес во уметноста е револуционерен како и првиот лет (Ховинг, 1999). Кубизмот беше поделен во две категории.

Аналитичкиот кубизам, почнувајќи од 1907 година, визуелно го прикажа она што уметникот мислеше дека е важно за оваа тема, а не само да ја имитира. Деловите на телото и предметите на сликата беа поделени во геометриски форми што беа јачмен препознатливи како оригинална слика. Брак напиша дека „сетилата се деформираат и духот се формира“.

Аналитичкиот кубизам ја ограничи употребата на бојата на едноставни и досадни нијанси, така што акцентот повеќе ќе се стави на структурата. Сезан рече: „Со природата треба да се постапува со цилиндер, копје и конус“ (Мики, 1976). Насликаните форми требаше да се расчленуваат, одделно да се анализираат, а потоа да се реконструираат за да формираат нова целина.

Исходот требаше да биде со интелектуална визија, а не спонтан. „Целта на аналитичкиот кубизам беше да создаде концептуална слика на објект, наспроти оптички“ (Харден, 1999). Околу 1912 година, аналитичкиот кубизам достигна точка кога се закани дека ќе оди подалеку од визуелното разбирање на гледачот.

Во тоа време Пикасо и Брак заземаа поинаков пристап со замена на делови од сликите на вистинските нешта со апстрактни знаци и симболи. Во синтетичкиот кубизам, вагите веќе не беа важни за сликата на Пикасос „Тројцата музичари“, раката на човекот што свири гитара ќе биде два инчи, додека самата гитара е две стапки.

Вратена светла, светкава боја. Синтетичкиот кубизам е заслужен за создавањето на колажот. Пикасо го направи првиот колаж користејќи декоративна хартија и зборови и слики исечени од весници и музика, поставени на дрво за да создаде слика на гитара. Други уметници почнаа да користат песок, јаже, па дури и огледала за да ги симболизираат нештата.

На овој начин, синтетичкиот кубизам се врати малку на конвенционалниот метод за реално претставување на објектите и обликот на предметите стана полесно да се препознае. Кубизмот го доби интересот на критичарите кои имаа мешани ставови. Еден критичар погледна слика на Пикасо со виолина и рече дека смета дека е навреда за интелигенцијата на гледачите да се очекува да веруваат дека виолината ќе изгледа така.

Даниел-Хенри Канвејлер, париски трговец со уметнички дела и пријател на Пикасо и Брак, кој го поддржуваше кубизмот, дистрибуираше памфлети што го рекламираат „новиот изглед“ на реалноста и уметноста (Робинсон, 1995).

По гледањето на нејзиниот портрет направен од Пикасо, Гертруда Штајн му рече: „Не изгледам така“. Тој одговори: „ќе“. Таа подоцна напиша: „Тоа е единствената репродукција на мене која секогаш сум јас, за мене“ (Шафнер, 1998). Други уметници наскоро го прифатија стилот. Хуан Грис беше еден од првите што го копираше кубизмот и го донесе надвор од Франција во родната Шпанија и други земји.

Во пролетта 1911 година, парискиот салон Des Independence започна да ги собира делата на локалните кубисти сликари и одржа изложба со Jeanан Мецингер, Фернанд Легер и Роберт Делане. Тоа беше првата голема изложба за кубизам. Во текот на 1913 и 1914 година, толку многу уметници во Париз се свртеа кон кубизмот што привремено стана универзален јазик на авангардното сликарство (Арнхајм, 1984).

Уметниците во Кина, Русија и Јужна Америка се фатија и почнаа да експериментираат со различни форми на кубизам. Арон Даглас и Стјуарт Дејвис го донесоа стилот во Америка во 1912 година, иако нивното толкување не беше толку апстрактно како што се правеше во Европа во тоа време.

Во 1913 година, оружјето Мидтаун во Newујорк беше домаќин на изложба што привлече голем број луѓе. Кубизмот стана доминантно влијание во светот на уметноста во Newујорк до 1918 година.

Почетокот на Првата светска војна го означи падот на кубизмот во Европа. Брак и многу други уметници беа повикани да се борат. Откако беше повреден од шрапнели, сликањето на Бракс никогаш не беше исто. Војната уби многу пријатели со кои соработуваше Пикасо. Заедницата што го опкружуваше кубизмот заврши. Кубизмот го предводеше патот за други нови радикални идеи во сликарството.

Дада, надреализам и Арт Деко следеа по 1918 година. Овие с still уште ги прикажуваа предметите на симболичен начин, но во реална, потрадиционална привид. Пикасо експериментираше со нови стилови на сликање, се обиде со надреализмот, но се сврте кон класичен стил во 1920 година. Пикасо, исто така, се занимава со дизајнирање театарски сцени и костими.

Во 1937 година избувна Шпанската граѓанска војна помеѓу републиканците и фашистите под владеење на генералот Франко и#8217. Републиканците побараа од Пикасо да наслика мурал за шпанскиот павилјон на Светската изложба во Париз. Тој сакаше работата да ги изрази ужасите што човекот може да ги изврши врз својот ближен. Во април истата година, германските авиони по наредба на Франкос го бомбардираа малото село Герника во јужниот дел на француската село Браке (Шафнер, 1998).

Откако слушна за целосното уништување предизвикано од нападот, Пикасо се врати во кубизмот и го заврши делото Герника. Преземајќи влијание од Гоја, сликата ги прикажала градските луѓе во агонија поради нивната загуба.

Настрана, мајка плаче над своето мртво дете, додека во центарот коњ болно умира. Ова ќе стане неговата најпозната слика. Кубизмот ја редефинираше уметноста во дваесеттиот век.

Успеа да им даде на луѓето поинаква перспектива за гледање на реалноста и предизвика нови емоции. Кубизмот постави нов стандард за она што е прифатено како уметничко дело. „Уметноста повеќе не мораше да биде естетски исправна или убава за да биде ремек -дело“ (Ховинг, 1999).

Исто така, постави сцена за другите уметници да тестираат нови стилови кои порано би се сметале за премногу невообичаени. Кубизмот навистина ја отелотвори фразата „уметноста е во окото на оној што гледа“.

Библиографија

Арнхајм, Рудолф. Уметност и визуелна перцепција, психологија на креативното око. Лос Анџелас: Прес на Универзитетот во Калифорнија, 1984. Арнхајм, Рудолф. Визуелно размислување. Лос Анџелас: Прес на Универзитетот во Калифорнија, 1984. Чилверс, Иан, Харолд Озборн, Денис Фар. Оксфордски речник за уметност. Newујорк: Универзитетот Оксфорд прес, 1988. Ховинг, Томас. Уметност за кукли. Фостер Сити Калифорнија: IDG Books Worldwide, 1999. Мики, Тамон. Што е тоа кубизам? Националниот музеј за модерна уметност, Токио. www.cubistic.com. 29 ноември 1999 година. Робинсон, Волтер. Инстант историја на уметност, од пештерска уметност до поп -арт. Newујорк: Bryon Press Visual Publications, 1995. Шафнер, Ингрид. Суштинскиот Пикасо. Newујорк: Хари

Помогнете ни да ја поправиме неговата насмевка со вашите стари есеи, потребни се секунди!

-Бараме претходни есеи, лаборатории и задачи што ги постигнавте!

Поврзани Мислења

Целна уметност: Уметност што вклучува препознатлив предмет. На пр. Слика на пејзаж каде што & hellip

А Хаику е кратка песна која се состои од 17 слогови формирани во 3 неримирани и песни

Што е YouTube? YouTube е веб-страница за споделување видеа, создадена од тројца поранешни вработени во PayPal во & hellip

Алатките со кои располагаат уметниците се зголемија и ги сменија начините на кои можеме да креираме. Во & hellip

Вовед Графитите како што знаеме можеби имаат релативно кратка историја, но успеаја и

Автор: Вилијам Андерсон (Уредувачки тим на училишна помошничка)

Тутор и хонорарен писател. Наставник по наука и overубител на есеи. Последниот преглед на статијата: 2020 година Институција Свети Розмари © 2010-2021 | Creative Commons 4.0


Топ 7 дела на кубизмот.

Герника од Пикасо (1937)

Герника секогаш ќе биде на врвот на листата, секој ден, во секое време! Тоа е слика со масло на платно, која се смета за една од најмоќните антивоени слики во историјата и помогна да се привлече вниманието на шпанската граѓанска војна. Ова дело е без сомнение најпопуларната слика на Пикасо и#8217 иако има силна врска со неговиот надреалистички период, сепак е поврзана со неговиот посебен кубистички стил.

Шише и риби од Georgeорџ Брак (1910-1912)

Брак прикажуваше и шишиња и риби и во неговите слики во текот на неговата кариера, сликарот целосно уживаше во сликањето шишиња и риби и оваа слика, која е дел од фазата на аналитички кубизам, ги содржи двата негови омилени теми. Тоа е слика на масло на платно со многу едноставен дизајн и е една од неговите најистакнати слики.

Портрет на Пикасо од Хуан Грис (1912)

Хуан Грис по создавањето на оваа слика стана признат како воспоставен кубист. Како и тогаш, неговото дело беше првото кубистичко дело што беше создадено без влијание на Браке или Пикасо. Го прикажува уметникот, Пабло Пикасо на млада возраст, со неговата коса с in уште на место, држи палета и облекува костум. Имаше ниво на уредност во работата на Грис и кое подоцна ќе биде отфрлено бидејќи кубистичките уметници создадоа повеќе неорганизирани слики и Грис се оддели со посистематска геометрија.

Виолина и палета од Georgeорџ Брак (1909)

Ова сликарство со масло на платно е дел од подоцнежните случувања на кубизмот, ерата на аналитичкиот кубизам и отстапување од фовизмот. Сликата е како мртва природа во апстрактна форма и иако виолината и палетата се видливи, тие се растурени и претставени заедно со други аголни форми. Тоа е едно од најценетите дела на Georgeорџ Брак и беше основен дел од развојот на кубизмот.

Les Demoiselles d ’ Авињон од Пикасо (1907)

Ова дело без сомнение го достигна крајот на фовизмот и го воспостави почетокот на кубизмот. Иако се сметаше за неморално и во тоа време, во ова дело, Пикасо ја остави настрана перспективата и искористи 2-димензионална рамнина за слики поделена на геометриски парчиња. Тоа беше одличен извор на инспирација за Брак и се проследи како извор на нивната соработка и развој на уметничкото движење кубизам.

Тројцата музичари од Пикасо (1921)

Ова е насловот на две слични слики на масло на платно од Пикасо. Го зема стилот на синтетички кубизам и има изглед на исечена хартија. Нагласува живи бои, аголни форми и рамни модели и е работа на мртва природа. Тоа е совршен пример за кубистички стил на Пикасо и е втората најпозната слика на Пикасо. Двете верзии на оваа слика можат удобно да се најдат на нашата топ 7 листа на кубистички дела, но која верзија ја сакате, ова уметничко дело е вистински претставник на кубистичкото движење.

Човек на балкон (1912) од Алберт Глејзес

Последно, но не и најмалку важно на нашата листа на топ 7 кубистички дела е големата слика со масло од Алберт Глејзес наречена “ Човек на балкон ”. Како основач и на кубизмот, Глизес ги покажува принципите на кубизмот во ова извонредно уметничко дело. Уметникот намерно создаде контраст на аголни и заоблени форми, додека блоковите форми на фигурата и главата ја земаат својата форма од принципот на кубизам.

Кубизмот останува едно од највлијателните уметнички движења познати. Тоа промени широк спектар на идеи што се однесува до уметноста во 1910 -тите и 1920 -тите години. Исто така, овозможи развој на апстрактни модерни уметнички движења. Тоа им пркосеше на уметничките правила и се покажа како едно од најголемите паузи во историјата на уметноста.

Земете го иновативното, и вие можете да пробате нешто ново. Можеби, сте биле заглавени на други уметнички движења и сте барале да научите за кубизмот, сигурен сум дека овој напис беше корисен.

Кубизмот е еден одличен начин да се забавувате со уметноста. С All што треба да направите е да се ослободите од стравот како Пикасо и да истражите!


Кубизам

Нашите уредници ќе го разгледаат она што сте го поднеле и ќе утврдат дали ќе ја ревидирате статијата.

Кубизам, многу влијателен стил на визуелна уметност на 20 век, создаден главно од уметниците Пабло Пикасо и orорж Брак во Париз помеѓу 1907 и 1914 година. Кубистичкиот стил ја нагласи рамната, дводимензионална површина на рамката на сликата, отфрлајќи ги традиционалните техники на перспектива, напредување, моделирање и хијароскуро и побивање теории одамна почитувани дека уметноста треба да ја имитира природата. Кубистичките сликари не беа обврзани да копираат форма, текстура, боја и простор. Наместо тоа, тие претставија нова реалност во сликите што прикажуваа радикално фрагментирани предмети.

Кубизмот го доби своето име од забелешките што ги изнесе критичарот Луис Воксел, кој потсмевно го опиша делото на Брак од 1908 година Куќи во L’Estaque како составен од коцки. Во сликата на Брак, обемот на куќите, цилиндричните форми на дрвјата и бојата на тен и зелена боја потсетуваат на пејзажите на Пол Сезан, кои длабоко ги инспирираа кубистите во нивната прва фаза на развој (до 1909 година). Тоа беше, сепак, Les Demoiselles d’Avignon, насликана од Пикасо во 1907 година, што го претскажа новиот стил во ова дело, формите на пет женски актови стануваат скршени, аголни форми. Како и во уметноста на Сезан, перспективата се прикажува преку бојата, при што топлите црвеникаво-кафени бои напредуваат, а студените сини се повлекуваат.

Развојот на движењето од 1910 до 1912 година често се нарекува Аналитички кубизам. Во овој период, работата на Пикасо и Брак стана толку слична што нивните слики речиси не се разликуваат. Аналитичките кубистички слики од двајцата уметници покажуваат распаѓање или анализа на формата. Пикасо и Брак фаворизираа конструкција под прав агол и права линија, иако повремено некои области на нивните слики изгледаат скулптурно, како во Пикасовата слика Девојка со мандолина (1910). Тие ги поедноставија своите шеми на бои до скоро монохроматски размери (претпочитаа нијанси на тен, кафеава, сива, крем, зелена или сина боја) за да не го одвлечат вниманието на гледачот од примарниот интерес на уметникот - структурата на самата форма. Монохроматската шема на бои беше погодна за презентација на сложени, повеќекратни погледи на објектот, што беше сведено на преклопувачки непроирни и транспарентни рамнини. Се чини дека овие рамнини се движат подалеку од површината на платното, а не се повлекуваат во длабочина. Формите се генерално компактни и густи во центарот на аналитичката кубистичка слика, стануваат поголеми додека се шират кон рабовите на платното, како кај Пикасовата Портрет на Амброиз Волар (1909–10). Во својата работа од овој период, Пикасо и Брак често комбинираа репрезентативни мотиви со букви, а омилени мотиви им беа музички инструменти, шишиња, бокали, чаши, весници и човечко лице и фигура.

Интересот за оваа тема продолжи и по 1912 година, за време на фазата генерално идентификувана како Синтетички кубизам. Делата од оваа фаза ја нагласуваат комбинацијата или синтезата на формите на сликата. Бојата зазема силна улога во овие дела, додека фрагментираните и рамните се поголеми и декоративни. Мазните и груби површини може да се контрастираат една со друга, и честопати странски материјали, како што се весници или обвивки за тутун, се лепат на платно во комбинација со насликани области. Оваа техника, позната како колаж, дополнително ги нагласува разликите во текстурата и, во исто време, го поставува прашањето што е реалност, а што илузија.

Додека Пикасо и Брак се заслужни за создавањето на овој нов визуелен јазик, тој беше усвоен и дополнително развиен од многу сликари, вклучувајќи ги Фернанд Легер, Роберт и Соња Делоне, Хуан Грис, Роџер де ла Фресна, Марсел Дишан, Алберт Глеизес и Jeanан Мецингер. Иако првенствено бил поврзан со сликарството, кубизмот исто така извршил големо влијание врз скулптурата и архитектурата од 20 век. Главните кубисти скулптори беа Александар Архипенко, Рејмонд Дишан-Вилон и quesак Липчиц. Усвојувањето на кубистичката естетика од швајцарскиот архитект Ле Корбизие се рефлектира во облиците на куќите што ги дизајнираше во текот на 1920 -тите.

Уредниците на Енциклопедија Британика Овој напис беше неодамна ревидиран и ажуриран од Алиција Зелазко, помошник уредник.


Рано кубистичко сликарство (в. 1907-9)

Ако се притисне, повеќето историчари на уметност би рекле дека движењето познато како Кубизам започна во 1907 година со сликата на Пикасо Les Demoiselles d'Avignon (MOMA, NY). Ова дело го означи почетокот на истражувачката фаза, за време на која Пикасо и orорж Брак се собраа за да воспостават голем број нови и важни принципи на модерната уметност.

Оваа соработка не се случи преку ноќ: дури во 1908 година двајцата уметници ја формираа интимната работна врска (и двајца планинари заедно јажеа), врз основа на идеите на Пол Сезан (1839-1906) - особено како што е изразено во неговото ремек дело. Големите капачи (Les Grandes Baigneuses) (1894-1905)-што доведе до пронаоѓање на првиот аналитички кубизам (в. 1909-1912), а потоа и синтетички кубизам (1912-14).

Les Demoiselles D'Avignon (1907)
(Детали)
МОМА, Newујорк.
Првата вистинска кубистичка слика на Пикасо.
Составен од целосен примитивизам,
измешани со фрактурирани геометриски
парчиња деконструирани фигури.

Пат во близина на L'Estaque (1908)
Музеј на модерна уметност, Newујорк.
од orорж Брак.

Како Пикасо го откри кубизмот?

За време на неговата прва година во Париз, Пикасо работеше на начин близок до оној на Тулуз-Лотрек, но насекаде избувна со немир, како да беше нетрпелив да се префрли во нова насока. Ова беше брзо проследено со неговиот „период на сина боја“, кој се префрли во неговиот „период на цитроза“. But with the restlessness of an explorer or an inventor, Picasso changed again at the end of 1906 in a way that is important as an early step toward Cubism. He began to discipline his graceful figures into new sculptural forms with an imposition of decisive geometrical regularities. Evident to begin with in Lady with a Fan (1905, Private Collection), the new discipline is even more emphatic in Woman with Loaves (1906, Philadelphia Museum of Art), with its geometrical solids built firmly upon one another into a compact whole. The ovoid form of the torso is surmounted by the white cylinder of the cap, which is pierced to reveal the simplified sculptural forms of the head. The two loaves of bread rest on top of this structure like architectural members surmounting a column.

GEOMETRIC ABSTRACTION
For a guide to concrete and
non-objective art, see:
Abstract Paintings: Top 100.
For a list of important styles,
see: Abstract Art Movements.

TWENTIETH CENTURY ARTISTS
For a quick reference guide,
see: 20th Century Painters.

Woman with Loaves was painted in the summer of 1906 (despite the date 1905, added in error beneath the signature). Earlier that year Picasso had begun a Portrait of Gertrude Stein (1906, Metropolitan Museum of Art, New York), the American writer who had set herself up in Paris a few years earlier and had already become a major patron, proselytizer, and practitioner in the international intellectual avant-garde. After eighty sittings Picasso had wiped out the face of her portrait. Whatever the face had been like, it is obvious that in the rest of the picture Cezanne is very much present. When Picasso returned to the picture after the summer interval during which he painted Woman with Loaves, the new force at work in his art produced the masklike face which is so at variance with the Cezannesque forms that surround it. Во неговиот Self Portrait (1906, Philadelphia Museum of Art) painted immediately afterward, the masklike quality has increased, and its severe half-primitive quality has extended to the figure also.

By his own statement, in Woman with Loaves, the Stein portrait, and his own portrait, Picasso was influenced by the archaic sculpture of pre-Roman Spain. But the two portraits show that he had already discovered African sculpture also. At any rate the ingredients for Cubism were now assembled. These were: the painting of Paul Cezanne, with his concept of volume and space as abstract geometry to be dealt with at whatever necessary rejection of their natural relationships primitive art, that is, African and archaic sculpture with their untheoretical but exciting reduction of natural forms to geometrical equivalents and, finally, the intuitive genius of Picasso and the deductive mind of Braque to merge these components with dashes of several others in their search for new expressive means.

This new expression was soon to have a name, Cubism, and to be codified into a theory. But for the moment it manifested itself half formed, in 1907, in a large painting by Picasso which, although technically ambiguous, is decisively the beginning point of Cubism. A composition involving five female nudes, the traditional bathers motif, it was later dubbed Les Demoiselles d'Avignon as a joke, and has continued by that name as a convenience.

Everyone admits that these five 'demoiselles' are among the unloveliest females in the history of art, and no one pretends that Les Demoiselles d'Avignon (1907, MOMA, New York) is an unqualified success in every way, but on the other hand no student of 20th century painting denies its position as a landmark. It is a discordant picture, not only in the way it ruptures, fractures, and dislocates form with a violence that would probably have appalled Cezanne, but in the disharmony of its own parts. On the left the standing figure is hieratic in its formality, posed in a standard attitude of Egyptian sculpture. But by the time the right side of the picture is reached, this formality has given way to a jagged, swinging, crashing line, and the African mask makes its impact with full force in the grotesque faces.

As it was, the year 1907 was exceptionally stimulating for Picasso. He was in the middle of his African or Negro period (1906-7), during which he was absorbing the aesthetics of African tribal art - a process which as we have just seen culminated in Les Demoiselles d'Avignon, as well as oils like Head (1907, Barnes Foundation), Bust of a Woman (1907, MoMA, NY) and Nude (Bust) (1907, Hermitage, St Petersburg). Other vivid examples of his 'African' paintings of the time include: Woman with a Fan (1907, Hermitage, St Petersburg) and Dance of the Veils (Nude with Drapery) (1907, Hermitage, St Petersburg). In 1908, he continued with the primitivist style of Les Demoiselles, executing a number of ethnic-style works with well-modelled, angular bodies. They include: Seated Woman (1908, Hermitage, St Petersburg), Dryad (1908, Hermitage, St Petersburg), and Farm Woman (Full-Length) (1908, Hermitage, St Petersburg). Only in his mid/late-1908 works such as Пријателство (1908, Pushkin Museum, Moscow) and Three Women (1908, Pushkin Museum), does the influence of Cezanne begin to emerge.

How Did Braque Arrive at Cubism?

At the start of 1907, Braque was known as a member of Fauvism, the high-fashion style of colourism which had burst onto the Parisian art world in 1905. However two events in 1907 would rapidly change his life. First, he was bowled over by the major Cezanne retrospective, at the Salon d'AutomneНа Second, his dealer Daniel-Henry Kahnweiler introduced him to Apollinaire and Picasso. Braque visited the latter at his studio in the tumbledown Bateau Lavoir complex in the Rue Ravignan, Montmartre, where he was profoundly impressed by Les DemoisellesНа Indeed, he was so taken with it, that he abandoned Fauvism and spent the next six months working on a new picture - Large Nude (1908, Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou) - which required him to transform his whole method of painting.

Unlike Picasso, however, Braque moved directly directly from his Large Nude to more overt Cubist imagery (in the manner of Cezanne), namely his landscapes at L'Estaque. So by late 1908, stylistically he was fractionally ahead of his Spanish partner.

The developmental period of Cubism, 1907-1909, is often called its "Cezanne phase," on the basis of pictures like Braque's Road near L'Estaque (1908, Museum of Modern Art, New York), with its combination of geometrical simplification and faceted shapes. But despite the geometrics, the picture is, in spirit, anything but Cezannesque. The shapes themselves are bolder and more obvious than Cezanne's, and they have a nervousness, an insistence, a thrust, a harsh, angular movement that exaggerates the sense of vibrant life typical of a Cezanne landscape, and sacrifices to it the classical order that also permeates Cezanne's world.

Picasso and Braque: Collaboration (1908-9)

In 1908, by now both deeply intrigued by Paul Cezanne's geometric-style landscapes, Picasso and Braque set about extending their mentor's ideas. First, they completed a series of landscape paintings that were very similar to those by Paul Cezanne. Thus all natural forms were reduced to basic geometric shapes and the colour palette was predominantly subdued blues and greens. (Picasso still maintained his keenness for his warmer ochres and siennas). They painted houses in the form of 3-D cubes: Braque at L'Estaque Picasso at Horta del Ebro in Spain. It was these paintings that the French art critic Louis Vauxcelles was describing in 1909, when he used the expression 'bizarreries cubiques' - which led to the adoption of the word Cubism.

Theory of Cubism
The first treatise on the new style, entitled Du Cubisme (1912), written by Albert Gleizes and Jean Metzinger, was published in 1912, to coincide with the Section d'Or exhibition of Cubist art at Galerie La Boetie in Paris.

Conventions of Perspective Rejected

In this early phase of prototype-Cubism, Picasso and Braque utilized several technical devices to undermine the illusion of space. To begin with, they rejected all the normal conventions of linear perspective. Instead of diminishing size signifying background, perspective was rendered by means of colour: warm reddish browns were used for foreground, cool blues for background. Buildings appear one on top of the other instead of standing one behind the other. Во Houses on the Hill (1909, MoMA), Picaso used similar cubic-shaped imagery for his background and foreground (houses). By rendering earth and sky in the same way, he introduced greater unity to the picture but also introduced ambiguity: after all, there was now less difference between ground and air.

Multiple Sources of Light

Another technique used by both Braque and Picasso in their early Cubist art, involved the use of different light sources. Whereas traditional pictures employ a consistent light source (to create the illusion of three-dimensional space), in Cubist canvases light appears to enter the composition from numerous different angles thus confusing the viewer as to whether shapes are convex or concave.

Greatest Early Cubist Paintings

In addition to works already cited, here is a short selected list of early Cubist pictures, executed in the manner of Cezanne, which can be seen in some of the best art museums around the world.

Georges Braque
Viaduct in Estaque (1908) Musee National d'Art Moderne.
Houses at L'Estaque (1908) Kunstmuseum, Bern.
Road Near L'Estaque (1908) Museum of Modern Art, MoMA, New York.
Large Nude (1908) Musee National d'Art Moderne.

Pablo Picasso
House in a Garden (1908) Hermitage Museum, St Petersburg.
Little House in a Garden (1909) Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow.
Houses on the Hill (1909) Museum of Modern Art, New York.
Fruit in a Vase (1909) Hermitage Museum.
Woman with a Fan (1909) Pushkin Museum.
Brick Factory at Tortosa (1909) Hermitage Museum.

Note: Picasso's most famous late Cubist paintings include: Герника (1937, Reina Sofia Art Museum, Madrid) and Weeping Woman (1937, Tate, London).

For works by other Cubists, see Cubist Painters.

• For a list of schools and styles, see Modern Art Movements.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Late Cubism

Art became even more abstract after 1914. Artists now began to emphasize overlapping planes and flat surfaces. Crystal Cubism, as it became, was created by artists who desperately needed to escape the realities of the Great War.

Soldier at a Game of Chess by Jean Metzinger

Though many artists continued to push through with Cubism, it started to decline after 1925. As a result of a shift towards more conservative values, artists dropped the bold colors and shapes for more conservative French styles. Today, it remains a major influence on modern art history.

Three Musicians by Pablo Picasso


Cubist Sculpture

The cubist sculpture has the same aesthetics as the pictorial sculpture and also has the same objectives, the difference is that the cubist works in three different dimensionsНа The sculpture is characterized by the simultaneity of the perspectives, by the intersection of the volumes, the decomposition of the forms and the new appreciation of the materials.


Listen to William S. Rubin's views, whether it was Braque or Picasso, who invented Cubism and the influence of Paul Cézanne

WILLIAM S. RUBIN: It's sometimes asked whether it was Braque who invented Cubism or Picasso who invented Cubism. And I think there's no single answer to this, in part because there's no single definition for Cubism.

Two major sources of Cubism were the Africanism of Picasso, that is, the art which Picasso had made in 1907 and early 1908 that was influenced by tribal models of art, and, perhaps even more important, the art of Cezanne. I think you could say that to the extent that you feel that Cezanne's model was the germinal element in Cubism, Braque was a little bit more its inventor than Picasso. On the other hand, it is hard to imagine Cubism ever having been created had not Picasso painted "Les Demoiselles d'Avignon" in 1907 and in one painting, so to say, swept away the whole 19th-century tradition. Moreover, Picasso made a number of pictures deeply influenced by Cezanne also. And it's very difficult to pick apart in the years 1908 and 1909 just how much it is Braque and how much it is Picasso that are responding to these things. I think we can say that what is extraordinary about it is that such elements as Africanism, so to say, the tribal type of art that Picasso leads into Cubism with, and Cezanne would seem to be totally unmixable. And yet the two fuse in some way in the crucible of the painting of 1908. And that's part of what is remarkable about the history of early Cubism.


Погледнете го видеото: hero IN